Vingt ans après la mort du Grand Serge, deux hommages sont parus au mois de Novembre. Le premier est l’album “L’homme à tête de chou” repris par le défunt Alain Bashung et enregistré à l’occasion d’un projet organisé par Jean-Claude Gallotta, chorégraphe. Le second est le tout récent “From Gainsbourg to Lulu” du fils de Serge Gainsbourg, Lulu donc, qui a su s’entourer de grosses montures de la musique contemporaine, et de l’Art de manière plus générale. Après écoute des deux disques, analyse de deux ultimes saluts à l’incommensurable poète et dandy français.

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“From Gainsbourg to Lulu”

Lulu Gainsbourg nous met presque l’eau à la bouche, mais sa voix nasillarde dès le premier titre nous fait savoir qu’il aura besoin d’associations solides pour être crédible sur cet album comportant exclusivement des reprises du géniteur. Du côté des duos réussis, on retiendra “Bonnie & Clyde” (avec Scarlett Johansson : qui mieux qu’elle pouvait donc rivaliser avec Bardot ?), “Manon” (avec Marianne Faithfull), “Requiem Pour Un Con” (avec Matthieu Chedid, qu’on avait pas pris plaisir à écouter depuis son album “Qui de nous deux”, en 2003), La Javanaise (avec Richard Bona), Initials BB (avec un Iggy Pop très proche de son préliminaire album houellebecqien) et enfin “Couleur Café” (avec Ayo). Pour le reste, il s’agira de reprises instrumentales abouties, pour la plupart, à l’image de “Black Trombone” et “Intoxicated Man”, reprenant la mélodie de la chanson originale au saxophone, immense sur cet album.

Soulignons cependant les immondices : “Je suis venu te dire que je m’en vais”, où on s’interroge : Calogero serait-il venu habiter le corps de Rufus Wainwright au moment de l’enregistrement ?… L’apparition de Johnny Depp et Vanessa Paradis sur “Ballade de Melody Nelson” n’est que purement anecdotique et enfin “La Noyée” dont l’interprétation, tellement fadasse et insignifiante, ne parvient pas même à effleurer la classe de l’originale. En bref, cet album constitue un bel hommage orphelin, touchant par moments, duquel on retiendra des duos originaux, mais un brin opportuniste et présomptueux.

On revient très vite avec une chronique de la réédition de “L’homme à tête de chou”.

Quand les Kills montent sur scène (crinière rouge pour Alison Mosshart, veston de cuir pour Jamie Hince), on aperçoit très vite qu’ils seront accompagnés par quatre percussionnistes à tambours, juste devant le grand drap au motif léopard accroché à l’arrière du décor. Tout ceci ressemble au jeu scénique de Death in June, fraichement reformés, et donne au tableau un côté théâtral quasi-morbide.

Les grands moments de ce concert pourraient être résumés avec “Tape Song”, juste avant le rappel, qui a mis une claque à plus d’un spectateur hier soir ; par “Satellite”, dépeignant une ambiance de stade, son refrain sera repris en cœur par une majeure partie de la salle ; mais surtout avec “Fuck The People”, qui aura poussé l’ambiance à son summum.

Le concert se ferme avec une passade. “The Last Goodbye”, extraite du dernier album, évidemment. Ils quittent la scène, les lumières se rallument et la populace rejoint rue et pénates sur “Transmission” de Joy Division.

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Soklak

Amuse-gueule de cette chronique : Soklak. Artiste à la plume admirable, il est issu de Seine Saint-Denis, donc fous ton gilet pare-balles :

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Orselsan

Originaire de l’Orne, il perce avec des morceaux comme “Sale Pute” ou “Saint-Valentin” et est logiquement trop vite considéré comme le vilain petit canard. La violence verbale y est omniprésente et on peut facilement imaginer la censure à laquelle Orelsan a été confronté dès ses débuts. Beaucoup l’ont soutenu comme Oxmo Puccino (légende du rap français surnommée “Black Jacques Brel” pour ses textes d’une grande précision poétique et sa reprise de “Ces Gens-Là”), l’Amour n’était donc pas complètement mort pour Orelsan. Aujourd’hui, il a deux albums à son actif, “Perdu d’Avance” encore adolescent et le récent “Le chant des sirènes”, plus mature. Extrait de son dernier disque, “1990» est un hommage aux prémices du rap hexagonal et Puccino apparaît dans le vidéo-clip. On y entend aussi un sample du “Qui sème le vent récolte le tempo” de MC Solaar, sorti en 1991 :

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Youssoupha

“J’mets un billet sur la tête de celui qui fera taire ce con d’Eric Zemmour”. Grâce à ce vers, et sûrement sans l’avoir prémédité, Youssoupha crée le buzz avec son titre “À Force De le Dire”. Eric Zemmour fait appel à la justice et prône la menace de mort. Youssoupha réplique avec un titre éponyme à la plainte du Saint-Eric  :

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Oster Lapwass, Kacem Wapalek, Lucio Bukowski…

Oster Lapwass est un beatmaker originaire de Lyon et accueille depuis maintenant plusieurs années des rappeurs de la France entière chez lui, afin d’enregistrer. Parmi ceux-ci, des petits génies aux lyrics acérés : Kacem Wapalek, Lucio Bukowski, Anto… À force de publications, Oster Lapwass promet une vidéo purement lyonnaise, la 69ème, qui ne devrait pas tarder à être dévoilée sur la toile. Non-extraite de son premier album “Absence de veine dans un monde sans gain”, la vidéo qui suit est un des passages les plus remarqués du dénommé Wapalek dans la métropole rhodanienne :

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1995, L’Entourage

Tous parisiens ou presque, les rappeurs issus de ces “crews” ont du talent. En pleine tournée française, 1995 s’inspire des plus grands, à l’image de “Laisser une empreinte” sur leur premier EP, qui se sert de samples extraits de “Où je vis”, album solo de Shurik’n (IAM). Pour L’Entourage, c’est le même principe. Certains rappeurs de cette bande s’illustrent dans les sessions de “Rap Contenders” (des clashs opposant deux rappeurs -à la manière du film 8 Mile- mais a capella). Guizmo représente un rap provocateur, impertinent et agressif, mais à l’instrumentalisation frôlant la perfection. Il rappelle presque un certain Doc Gynéco à l’époque de son album “Première Consultation”. Est-ce que ça le fait ? Ouais ouais.

Sur le retour, je me trouve sur le pont d’un bateau, entre Leningrad et Helsinki, et c’est avec allégresse que je recroise le zigue mélomane. Alors que le brise-glace s’enfonce lentement dans la mer Baltique au rythme du vacarme provoqué par les blocs d’eau gelée s’écrasant sur la coque, un moscovite débarque et nous présente à sa petite amie. Béats, leur voyage se terminera à Paris, Disneyland.

Ils nous proposent quelques verres de rhum (cubain, cette fois)… Nous nous retrouvons très vite dans l’allée principale du navire. La conversation bat son plein quand j’évoque “Sympathy for the Devil” des Stones. Iggy, Ian Dury, The Smiths… Puis vient ce film, “24 Hour Party People”. Le russe -DJ de surcroît- dégoise un mythe, une évidence culturelle (à l’aide de sa compagne, s’improvisant traductrice) ; il le divinise comme j’aurais pu le faire avec “Control”, d’Anton Corbijn. Nous échangeons adresses mails et comptes Facebook et il est déjà temps de passer à autre chose.

Depuis ce jour, j’ai vu “24 Hour Party People”. Il s’agit d’une œuvre cinématographique narrée à la première personne par Tony Wilson (joué par Steve Coogan), fondateur de Factory Records et de l’Haçienda de Manchester, label et club mythiques ayant accueilli les plus grands noms de la scène mancunienne des années 80. Le film retrace les moments forts de la ville à travers les destins de trois trublions : T. Wilson donc, I. Curtis (Joy Division) et S. Ryder (Happy Mondays). Il est question d’un film à dévorer de toute urgence. Le ruskov avait raison. Et il s’entête à coup sûr, quelque part, de boire la vie à grandes goulées.

“Let’s Roll Just Like We Used To”

Coup de gong. Entrée de trompettes rappelant certaines mélopées venues d’Outre-Manche. Après cette introduction posée, Kasabian déclenche une chanson rappelant sur bien des points les Last Shadow Puppets d’Alex Turner et Miles Kane ; il aurait pu s’agir du meilleur titre du mièvre “The Age Of The Understatement”. Ils posent ici un morceau crédible, conscient, presque enchanteur, mais loin de l’orgasme auditif.

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“Days Are Forgotten”

Deuxième single paru en préambule de la sortie de l’album, “Days Are Forgotten” est un tube. Avant un couplet offensif et fulminant, les cris étendus de Sergio Pizzorno (guitariste) vous mettent dans le vif du sujet. Le refrain quant à lui est plus souple, et pourrait passer sur les radios les plus populaires, dans un stade bondé ou dans une beuverie en sous-sols de Leicester City à l’issue d’un match des Foxes, l’équipe de football locale.

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“Goodbye Kiss”

Il s’agit ici d’une ballade amoureuse, entre rock’n'roll et pop. Paroles lancinantes “Doomed from the start, We met with a goodbye kiss, I broke my wrist”, la composition reste malgré tout insipide, même si le duo de voix Meighan/Pizzorno côtoie assidûment l’excellence.

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“La Fée Verte”

Hommage surréaliste aux Beatles, “La Fée Verte” semble être le récit d’une expérience de Sergio Pizzorno sous absinthe. Dès les premiers vers, deux références sont mises en avant. La première évoque le “Lucy in the Sky with Diamonds” des Fab Four : “I see Lucy in the sky, telling me I’m high”. Tout de suite après, Pizzorno affirme alors avoir croisé Dali dans la rue avant que celui-ci ne le bouscule. Flamboyant, il s’agit de la pièce centrale de l’album. Après quelques minutes de délire complet, il revient sur “Strawberry Fields Forever” : “How does it feel to live your life when nothing is real ?” et un fade-out pesant semble clôturer le morceau, avant que ses accords cafardeux ne reviennent hanter l’auditeur, comme une complainte.

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“Velociraptor!”

Le titre éponyme de l’album était disponible en version live avant sa sortie. On remarquait alors d’emblée l’aspect très punk de celui-ci. La version studio est plus accessible, le punk omis. “Velociraptor!” est un morceau supersonique à oublier.

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“Acid Turkish Bath (Shelter From The Storm)”

Psychédélisme ambiant, “Acid Turkish Bath…” rappelle le “Kashmir” de Led Zeppelin, près de quarante ans plus tard. Pour le décrire, on hésite simplement entre une nostalgie ringarde et une égalisation du maître. Et puis on a juste à retrouver un vieux live de Page et de ses compères pour clore toute tergiversation.

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“I Hear Voices”

“I Hear Voices” est peut-être ce qui se rapproche le plus de l’éponyme premier album de Kasabian, l’explosion en moins. Fadasse.

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“Re-Wired”

Avant de répudier les trois derniers titres, Kasabian se l’ai joué dans un avion (avant champs, stades et zéniths, si si !). Ça donne ça :

Merci, Vevo.

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L’arrivée de VEVO en France, c’est pour bientôt. Le concept du site est simple : vous présenter les clips d’artistes se situant sous la houle de VEVO. Une sorte de “maison de disques online”, qui censurera ces vidéos au moindre écart. Vous ne couperez pas à ce symbole numérique et musical de la mondialisation. Le site devrait concurrencer Spotify et autres Deezer de manière apparente d’ici peu de temps. En attendant, je me souviens…

Je me souviens d’un temps révolu où Youtube était un site indépendant… De lives rétros et sensationnels aux meilleurs épisodes des séries américaines les plus politiquement incorrects, des perles, parfois rares, souvent instructives, étaient à votre disposition. Les cartes étaient entre les mains des internautes, qui partageaient leurs héros au travers de trésors enfouis et délectables. Je me souviens d’un jadis éphémère, où la publicité sur Internet n’avait pas obstrué l’objectivité de ses utilisateurs… Où le partage de chansons ou d’idées artistiques se faisait par Messenger… Où Facebook ne régnait pas en maître… Où même MySpace, aujourd’hui en train de succomber, n’avait pas permis à des dizaines d’artistes (certains crédibles, d’autres moins) de percer sur une scène anglo-saxonne alors en manque de protagonistes… Où les noms eMule, Gnutella, ou Kazaa vous disaient quelque chose… Où le site Radio.Blog.Club vous permettait, par un tour de passe-passe, d’acquérir les meilleurs titres en une rapidité alors surprenante pour l’époque… Bref, où la loi Hadopi n’avait pas flanqué la trouille.

De Britney à Lady Gaga, des hontes du rap hexagonal (Reyel, Sexion d’Assaut, Booba…), en passant par des groupes rock dans le coup, préfabriqués (The Drums, Arctic Monkeys…) à une infâme variété française… Un amas d’artistes, tous sbires des imbuvables majors, tous produits de consommation, font de la musique un purin brouillon, fade et puant.

Finalement, aujourd’hui, que seraient devenus ces génies perdus, de Lennon à Dali, en passant par Kubrick ou Gainsbourg ? L’un se serait sûrement placé au-dessus de tout cela, laissant derrière chacun de ses pas un message pacifique et hippie, héroïque, pour certains… Il n’aurait pas non plus laissé Gaga jouer sur son piano. L’autre aurait peut être pondu quelques unes de ses toiles les plus inspirées et continué à défendre le rock’n'roll… Le divin Kubrick nous aurait permis d’y voir plus clair en délivrant une œuvre réfléchie, subtile et raffinée, au dessus de tout, en se plaçant aux frontières d’une philosophie surréaliste portant sur l’être humain et la société qui l’entoure… Le dernier aurait simplement prolongé ses excès -de génie-, avant de rejoindre le paradis des poètes…

Tout cela est dépassé. L’Art s’étouffe, chers lecteurs… Place au prosaïque.

Parce que, finalement, c’est quoi, Arcade Fire ? Les plus audacieux y verront un fragment de David Bowie dans la voix de Win Butler ou une pointe de New Wave dans le couple basse-batterie parfois hypnotique (le groupe est d’ailleurs friand de reprises des Joy Division, The Cure, ou The Smiths). Les moins originaux pencheront davantage pour l’influence de Strokes et leur jeu de guitare saccadé. Mais en réalité, aucune comparaison ne semble pertinente. Parce qu’une ambiance aussi singulière ne peut pas provenir d’une addition de plagiats et autres reproductions d’artistes antérieurs. La plus grande force d’Arcade Fire est certainement d’être l’un des derniers groupes à s’être créé un son propre, parvenant à plonger l’innocent auditeur dans un brouillard où émergent successivement une mélancolie maladive, les percées éphémères mais puissantes d’un bonheur retrouvé, et des échos quasi mystiques. Une triangle merveilleusement équilibré qui, au fil de trois albums d’une rare homogénéité, nous place devant un constat aussi évident que troublant : ces Canadiens ont bien les deux pieds dans le gotha du rock moderne.

Une analyse musicale purement technique n’avancerait, à mes yeux, pas à grand chose. Des lignes de basse généralement simples, une batterie sobre, des guitares souvent discrètes… La classe qui caractérise une grande partie de leur titre explose plutôt grâce à deux éléments fondamentaux. Tout d’abord, l’hallucinant éventail d’instruments utilisés (violons, contrebasse, orgue, xylophone, cor, synthétiseurs en tout genre, accordéon…) permet d’élargir à l’infini le champ musical du groupe, et leur donne une ampleur créative totale. Multi-instrumentistes, les membres semblent pouvoir jongler avec les sons au point de distiller une délicieuse sensation d’imprévisibilité. Mais le plus frappant reste le deuxième élément: le talent mélodique d’Arcade Fire. Des mélodies d’une efficacité absolue qui prennent à la gorge dès les premières mesures, et qui, servie par les voix fragiles et troublantes du couple Butler-Chassagne, instaurent une magique harmonie au sein de chaque morceau. Et c’est précisément cette harmonie constante qui va permettre au vaisseau Arcade Fire de naviguer entre tubes internationaux, ballades ténébreuses et chansons proches de l’incantation religieuse.

En effet, l’ensemble de leur œuvre pourrait quasiment se répartir dans ces trois catégories. Arcade Fire est tout d’abord une machine à tube. Qu’ils soient dotés de refrains vengeurs (Neighborhood #2, Rebellion…), de consonances rock pur (Wake Up, Antechrist Television Blues), ou même légèrement swing (The Suburbs), on retrouve au moins deux véritables chef d’œuvres commerciaux (qui n’est ici pas à prendre au sens péjoratif du terme) sur chaque album. Un désespoir tenace survole également une importante partie de leurs titres, comme l’annonce directement le nom du premier album, Funeral (2004). Il est immédiatement justifié par des chansons d’une mélancolie corrosive, violente et superbe (Une Année Sans Lumière, Crown Of Love), avant la voix déchirante de Régine Chassagne ne laisse tout simplement présager l’apocalypse sur la remarquable dernière piste (In The Backseat). L’album Neon Bible ne déroge pas à cette tendance, débutant notamment par l’inquiétant Black Mirror. La particularité la plus frappante de ce second album reste toutefois son caractère étrangement incantatoire, mystique, comme le montrent les titres Neon Bible et l’excellent Intervention et son orgue déchaîné, sans doute le sommet de l’album. Le dernier opus, The Suburbs, moins ténébreux mais tutoyant les sommets sur le plan mélodique (We Used To Wait, Modern Man, Deep Blue…) n’aurait même pas eu besoin de son Grammy Award du meilleur album de 2010 pour confirmer qu’Arcade Fire est bien une formation aussi singulière que régulière, et surtout immensément talentueuse. Avec des titres commerciaux mais pétris de subtilité, ces Canadiens peuvent prétendre à un panel d’auditeurs impressionnant et varié. Un de ces rares groupes qui marquent la mémoire collective au fer rouge, et dont l’innovation musicale leur donne l’infini privilège de prétendre pouvoir ne jamais mourir.

Ils entrent en scène, puis suit rapidement Maceo, vêtu de ses lunettes noires. Il est explicite : “Pour ceux qui ne sauraient pas encore ce qu’on joue… C’est 2% de jazz et 98% de funk !”. S’en suivent 2 heures et 30 minutes de concert funk absolu. Aux chœurs, le fils de Maceo prend les devants pour quelques pauses rap, Martha High, quant à elle, nous prouve son niveau de diva en un génial frisson commun. En duo avec le clavier, Dennis Rollins, au trombone, nous propose un morceau délicat et apaisé, comme une ballade en bateau sous les lueurs lunaires. Curtis, à la basse, pose des lignes qui rebondissent sans cesse : votre cage thoracique en vibre encore 24 heures après.  Deux hommages sont rendus par Maceo Parker. James Brown/Ray Charles, comme une évidence (il s’accordera une imitation du pianiste). Le concert se clôture avec un funk lourd, éminent. Trois titres vous déchainent, surexcitent. “Uptown Up”, “Shake Everything You Got” et “Pass the Peas”. En sortant de là, on sourit. Le groupe a pris son pied, comme vous. Votre corps, inspiré, aura gigoté à chaque seconde du show… Maceo Parker prouve une nouvelle fois qu’il est le magistral représentant d’une musique classieuse mais néanmoins rieuse : universelle.

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“Strange House”

2007. Je découvre une interview d’Alex Turner, leader des désormais boiteux Arctic Monkeys. Le musicien y évoque un disque à la pochette étrange : gothique et noirceur semblent au rendez-vous. Je tombe sur l’album importé d’Angleterre chez un disquaire, quelques jours après. Je stipendie le marchand. Quand je découvre “Strange House”, je suis en Norvège. Tout, autour de moi, semble en contradiction avec le style visuel et sonore du groupe. L’obscur punk-garage des Horrors sonne à la perfection dans ces étendues d’eau et de verdure pacifiques. Occulte. Introduction fracassante, “Jack the Ripper” me rappelle bien entendu le “Peter Gunn Theme” des Blues Brothers, il s’agit presque d’un remaniement eschatologique. S’enchaînent des titres bruyants à souhait. Le single “She Is The New Thing” paraît presque pop. L’instrumentale “Gil Sleeping” presque psychédélique. Le final s’appelle “Death at the Chapel” et est uniquement présent sur cette édition britannique. Il s’agit pourtant du meilleur titre. 2 minutes de punk sauvage qui closent un premier ouvrage fonçant tout droit dans les sous-sols saccagés d’une chapelle sinistre, lieux chaotiques des expériences les plus décousues.

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“Primary Colours”

Avril 2009. “Sea Within A Sea”, morceau de fin de ce “Primary Colours”, est placé en écoute exclusive sur le Myspace du quintette, quelques semaines avant la sortie de l’opus. Huit minutes qui montent en puissance grâce à un duo basse/batterie dans la clarté, un chant perché, une guitare et un synthétiseur intelligibles. On ne reconnait pas les Horrors. Métamorphose épatante en défenseurs de la new-wave (trente ans après) ils subjuguent, émerveillent. Même si la pochette rappelle celle du “Pornography” des Cure. Même si l’introduction de “I Only Think Of You” est directement inspirée du “Sister Europe” des Psychedelic Furs. Même si “Scarlet Fields” et sa ligne de basse nous rappelle que “Love Will Tear Us Apart” et Ian Curtis ne sont pas loin. Peu importe. Certains sots crient au scandale, s’octroyant le droit de déclamer un plagiat. The Horrors se sont en fait servis ici d’influences anglo-saxonnes majeures pour écrire un chef d’œuvre modernisant une musique grise, ténébreuse et préoccupante, à une heure où Robert Smith a perdu en vraisemblance.

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“Skying”

Nous sommes maintenant en 2011, les Horrors sortent “Skying”. Le New Musical Express vient récemment de les proclamer “meilleur groupe de Grande-Bretagne” et leur bassiste mentionne l’ecstasy comme source d’inspiration principale. Ils ralentissent encore le tempo, placent le synthé comme une omniprésence et se servent du chant et des chœurs pour frôler le divin. Hormis les prodigieuses nappes sonores créées par le clavier, la guitare servira à passer de ce style nouveau à des riffs singuliers qui captiveront les excentriques. De deux albums débrouillards, on arrive donc à “Skying”. Une pièce magistrale, faite de nombreuses ruptures fortuites, comme personne n’aurait pu le prévoir, à l’image de “Endless Blue”, “Moving Further Away” ou “Oceans Burning” : ultime morceau de ce disque, fleuron des Horrors.

Diva rock-star qu’on ne présente plus pour ses débordements, talentueuse, tatouée et puant la drogue, elle décède à l’âge de 27 ans. Une nouvelle qui va donc faire fabuler un grand nombre d’amateurs de rock. Âge maudit, lancé par Brian Jones en 1969, rendu célèbre par Morrison, Joplin, Hendrix ou Cobain. Suicidaire, tous junkies, Winehouse entre, elle aussi, dans cette légende mortuaire…

Elle se fait remarquer une dernière fois lors d’un concert à Belgrade le 20 Juin dernier. Apparaissant sur scène, elle ne chante pas, trop alcoolisée pour cela et annule par la suite sa tournée européenne. Médiatisée, musicalement savourée par beaucoup, Amy Winehouse s’en va …sous les sifflets.